Réquiem por un sueño: análisis y significado de la película de Aronofsky

Este artículo revela la explicación detallada y el significado de Requiem for a Dream revelando elementos importantes de la trama. Por lo tanto, se sugiere leerlo única y exclusivamente después de haber visto la película, y no antes, para no perder el sabor del primer visionado.

Réquiem por un sueño se estrenó en los cines estadounidenses en el año 2000; no es un año totalmente aleatorio: es el primer año del nuevo milenio y la película es verdaderamente un ensayo sobre el cine contemporáneo, con planos muy cortos, un montaje muy ajustado y un nihilismo básico que no deja salida.

La película es realmente un puñetazo en el estómago, por los temas que trata, claro, pero sobre todo por la forma en que los trata. Los cuatro protagonistas sufren diversas adicciones, distintas entre sí pero unidas por un mismo destino mortal. Sarah Goldfarb (nominada al Oscar a la mejor actriz para Ellen Burstyn) es una madre jubilada, que tristemente deja pasar sus días entre programas de entrevistas y charlas aburridas al sol de la tarde con sus “amigas”. Sarah ha perdido a su marido, y con él su juventud, y en sueños busca el amor de su hijo drogadicto Harry (interpretado por un Jared Lato en plena forma). En la primera escena de la película Aronofsky, mediante el uso de la pantalla dividida (una técnica muy utilizada en la obra), escenifica la soledad claustrofóbica de los dos: Harry roba repetidamente el televisor de su madre para recolectar dinero para colocarse él, ella se encierra con miedo en el baño y luego tristemente va a comprar de nuevo el televisor. Ambos están desesperados por el amor del otro, pero ninguno de los dos está dispuesto a “ganarse” ese amor, a un diálogo sano, a encontrarse con una persona que no es un objeto, sino un sujeto: Sara en el amor del hijo ve a su propia realización como madre, y Harry en el amor de su madre ve su propia realización como persona.

El mejor amigo de Harry es Tyrone (la genialidad de Aronofsky que elige al comediante Marlon Wayans para interpretarlo), también drogadicto y también necesitado desesperadamente del afecto de su figura materna, a la que no ve desde hace años. A este insólito trío se suma la bella Marion (Jennifer Connelly), una aspirante estilista que también es drogadicta e involucrada de lleno en una excitante, apasionada y aparentemente sincera relación con Harry. En realidad, a través de la pantalla dividida, el director inmediatamente nos hace entender que la relación entre los dos chicos no se basa en un sentimiento sincero: los dos están filmados en una escena de amor en la cama, pero cada uno está encerrado en su propio marco; no hay interacción, sólo soledad. Marion no es consciente de su belleza y no se acepta a sí misma físicamente, este es un detalle que será fundamental para entender la caída de la chica.

La película se divide en secciones, marcadas por la sucesión de las estaciones: Verano, Otoño (cuyo nombre en inglés, Fall, que significa caída, es obviamente simbólico) e Invierno. No, la primavera no está ahí y nunca llegará, la visión de Aronofsky es totalmente nihilista y ciertamente no está en la misma línea que la del famoso poeta romántico inglés Percy Shelley (“Si llega el invierno, ¿puede la primavera estar muy lejos?”). En verano, el grupo no sufre los efectos negativos de sus adicciones: los tres chicos, adictos a la heroína, logran crear un círculo no demasiado modesto y ganan suficiente dinero para comprar un apartamento e incluso para salvar a otros, en vista de la inauguración del taller de Marion.

La adicción de Sarah, en cambio, comienza ya en verano bajo el peor síntoma: la mujer recibe una llamada invitándola a participar como espectadora en un programa de televisión. Para Sarah, este puede ser finalmente el punto de inflexión de su vida gris y monótona; el rojo es en cambio el vestido que le gustaría llevar para la ocasión, que representa el pasado, el dulce pasado hipócrita en el que aparentemente todo iba bien. La mujer, sin embargo, es incapaz de ponerse el vestido, por lo que inicia una dieta de adelgazamiento a base de anfetaminas (fuerte crítica al sistema de causas farmacéutica estadounidense, al que no le interesa el más mínimo efecto sobre los individuos). Sarah comienza a perder peso y finalmente logra ponerse el vestido, es capaz de revivir su pasado: a partir de este momento, la mujer ya no se quitará el vestido y vivirá en una realidad paralela, sin ningún contacto con la realidad.

Llega el otoño, y con él la caída de los personajes. Cade Harry, quien a pesar de haber notado la adicción de su madre, llena su necesidad de sentirse un hijo aceptado al regalarle un televisor, a pesar de la desgarradora petición de compañía de Sarah. Tyrone cae. Cae Marion, que comienza a prostituirse desesperadamente por una dosis y no puede ver el sufrimiento de Harry, cegada por su propia adicción a las drogas (la chica nunca se ha aceptado a sí misma y ahora termina vendiendo significativamente su cuerpo). El montaje muy ajustado, como se mencionó, relata las cuatro caídas: a menudo Aronofsky utiliza la técnica de lo particular para aislar pequeños momentos que simbolizan la toma de diferentes drogas, colocando los muy buenos planos en rápida sucesión y casi sin permitir que el espectador entienda quién está haciendo qué. No hay adicción que sea menos grave que otra, todas conducen a la destrucción de la persona sin distinción, no hay heroína, anfetaminas o televisión, solo existe una gran necesidad de sentirse aceptado, la imperiosa necesidad de un enorme vacío que llenar.

La caída es fuerte, y los personajes llegan en invierno perdiendo por completo su concepción de la realidad. Sarah ha entrado ahora en un mundo paralelo, un mundo en el que todo está amortiguado (una de las ideas de dirección más particulares de Aronofsky es la ralentización del mundo que rodea a la mujer, que se mueve a tirones y totalmente alienada de sí misma), un mundo lleno de fantasmas, en el que el frigorífico, símbolo ciertamente no demasiado implícito del hambre de la mujer, parece querer atacar a Sarah, y en el que los participantes del programa de entrevistas se burlan de ella. Sarah, ahora enojada, es llevada a un hospital psiquiátrico, luego de haber ido a los estudios de televisión en busca de ayuda en una evidente confusión.

Aronofsky golpea repetidamente al espectador en el estómago: todos están entumecidos, los empleados de los estudios de televisión, los médicos, las enfermeras, todos pretenden simplemente expulsar a los diferentes de la sociedad, en este caso mediante electrochoques, con una fachada de hipocresía que apunta para provocar al espectador. La hipocresía también es característica de los viejos amigos de Sarah, quienes inexplicablemente durante meses no habían notado la ausencia de su amiga, y al verla en el hospital se echan a llorar y se abrazan: cada uno piensa en su propio dolor, pero el dolor de los demás es totalmente invisible.

La hipocresía de Harry hacia su madre ya había sido destacada anteriormente; Llegado el invierno, el personaje ya no tiene físicamente la capacidad de pensar en los demás e incluso acaba perdiendo un brazo, que le será amputado debido a una infección no tratada dada por la ingesta de heroína vía intravenosa. Aquí también el director no escatima en el ataque contra el sistema de salud estadounidense: el médico no cura a Harry cuando la situación aún parece recuperable, sino que llama a la policía porque ve frente a él a un yonqui, un paria, un elemento peligroso. Tyrone también es encarcelado con Harry, pero permanecerá allí hasta el final de la película. Peor que a Tyrone, tal vez le vaya a Marion, quien no termina en la cárcel sino que ingresa a un círculo de prostitución cada vez más intrincado y degradante, ciertamente no en la calle sino en los extravagantes apartamentos de Estados Unidos, bueno, quien por la mañana está decidido a seguir adelante con su vida normal y critica a los jóvenes con problemas de drogas y por la noche seduce a las jóvenes en los círculos de Dante (otra vez la hipocresía).

Todos caen, nadie se salva, todos se encierran cada vez más en su soledad claustrofóbica, que Aronofsky al principio había explicado diegéticamente con la pantalla dividida, y que al final queda simbolizada por un montaje paralelo que muestra a los cuatro protagonistas acurrucados en un cuerpo fetal en sus respectivas camas, mientras recuerdan lo que fue, lo que pudo haber sido y nunca fue (un niño exitoso para Sarah, una vida tranquila con Marion para Harry, una relación madre-hijo recuperada para Tyrone y la contemplación de heroína como el único escape de una vida ahora terminada para Marion).

No hay personajes positivos o negativos, todos son hipócritas congénitamente, todos están excluidos de la sociedad pero al mismo tiempo son parte de la sociedad misma: Aronofsky está mordiendo en la narrativa de la caída de Sarah, quien es una mujer de clase media con la que cualquiera en el medio de la audiencia puede ser identificado. No hay moralidad, no hay final feliz, solo hay una representación destructiva de las adicciones del hombre contemporáneo, condenado a un destino ciego y nihilista de soledad.

Sin duda, una mención al mérito es para Clint Mansell y el Kronos Quartet, compositor e intérpretes de la icónica banda sonora, respectivamente. Mansell consigue componer una ópera que mezcla la música clásica con la electrónica, en plena línea con el gusto contemporáneo de la película, que mezcla lo trágico y lo irónico, en una fortísima tensión entre la realidad y la hipocresía. Probablemente la pista más famosa de la obra (también porque se vuelve a proponer y remusear en la saga del Señor de los anillos) es sin duda Lux Aeterna: los arcos dramáticos de la pista llaman violentamente a la reacción del espectador, que se ve impulsado a la indignación por lo que ve en un doble juego que critica a la sociedad derechista media y al mismo tiempo la hace repugnar a sí misma.

Aronofsky se burla de la hipocresía de la gente y, de la misma manera, hace que un espectador emita juicios hipócritas que probablemente no se comportarían de manera muy diferente en la vida real en comparación con los maniquíes en el escenario. El track es re-propuesto de manera realmente martilleante en varias secuencias de la película, enlazando diferentes planos y creando un juego de memoria y el eterno retorno del tiempo que va bien con la división de la película en secuencias representadas por las estaciones: eternas retorno del tiempo sobre sí mismo pero de igual forma la presencia de una grieta, de algo que se rompe, que simbólicamente es primavera, que es alegría y serenidad, un renacimiento que nunca será.

Darren Aronosfky dirige una obra que realmente hiere al espectador, una fuerte bofetada a nosotros y a todo aquello en lo que creemos, todo expresado con una dirección muy moderna y bombardeadora que entre pantalla partida, montaje ajustado y planos objetivos irreales (que serán tomados por ejemplo por Breaking bad) al mismo tiempo llama la atención del espectador y lo envía al caos total.